Onda Sonora

Onda Sonora

 ONDA SONORA

DEFINICIÓN

Una onda sonora es una perturbación que se propaga a través de un medio, como el aire, el agua o un sólido, y que puede ser percibida por el oído humano. Las ondas sonoras se producen cuando un objeto vibra y transmite esas vibraciones el medio que lo rodea.


CARACTERÍSTICAS

Frecuencia: La frecuencia de una onda sonora se refiere al numero de vibraciones por segundo y se mide en hercios (Hz). La frecuencia determina la altura del sonido.

Amplitud: La amplitud de una onda sonora se refiere a la magnitud de la perturbación y se mide en decibelios (dB). La amplitud determina la intensidad del sonido.

Velocidad: La velocidad de una onda sonora depende del medio en el que se propaga y se mide en metros por segundo (m/s).


EJEMPLOS DE ONDAS SONORAS

Ejemplos en la Naturaleza

Truenos: Los truenos son un ejemplo de ondas sonoras que se producen durante una tormenta eléctrica. La descarga eléctrica del rayo calienta el aire y crea una onda de presión que se propaga a través del aire.

Canto de los pájaros: El canto de los pájaros es un ejemplo de ondas sonoras que se producen en la naturaleza. Los pájaros utilizan sus cuerdas vocales para producir sonidos que se propagan a través del aire.


Ejemplos en la Música

Instrumentos musicales: Los instrumentos musicales, como la guitarra el piano y la flauta, producen ondas sonoras cuando se tocan.

Las vibraciones de las cuerdas o la columna de aire crean ondas sonoras que se propagan a través del aire.

Voz humana: La voz humana es un ejemplo de ondas sonora que se producen cuando hablamos o cantamos. Las cuerdas vocales vibran para producir sonidos que se propagan a través del aire.


Ejemplos en la Tecnología

Altavoces: Los altavoces son dispositivos que convierten las señales eléctricas en ondas sonoras. Utilizan un diafragma que vibra para producir sonido.

Sonar: El sonar es una tecnología que utiliza ondas sonoras para detectar objetos en el agua. Se envían ondas sonoras hacia el fondo del mar y se miden las ondas reflejadas para determinar la distancia y la ubicación de los objetos.


Ejemplos en la Medicina

Ecografía: La ecografía es una técnica médica que utiliza ondas sonoras para crear imágenes del interior del cuerpo. Se envían ondas sonoras hacia el cuerpo y se miden las ondas reflejadas para crear imágenes de los órganos y tejidos.


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Oído humano

Oído humano

 


OÍDO HUMANO

El oído humano es un órgano fascinante que nos permite percibir el sonido y disfrutar de la música.

Desarrollo del oído humano

El ser humano tiene la capacidad de oír desde que estamos en el vientre de nuestra madre, el oído es algo innato, es decir, el sentido del oído empieza a desarrollarse en los humanos antes del nacimiento. El oído humano comienza a desarrollarse en el útero materno, alrededor de la semana 12 de gestación. Sin embargo, el feto no puede escuchar sonidos externos hasta alrededor de la semana 24, cuando el oído interno está lo suficientemente desarrollado.

Alrededor del sexto mes de embarazo gracias al desarrollo del oído, el feto es capaz de percibir a través del líquido amniótico que lo rodea, los sonidos del interior del organismo de la madre: la frecuencia cardiaca del corazón, la circulación de la sangre, la respiración, la actividad del sistema digestivo y la propia voz materna.

Después del nacimiento, el sistema auditivo sigue madurando y desarrollándose a medida que el bebe crece. La capacidad auditiva continua mejorando a lo largo de la infancia y niñez, y la exposición a una variedad de sonidos contribuye al desarrollo de habilidades auditivas más avanzadas. 

El proceso de escuchar implica la siguiente secuencia  de eventos:

  1. Sonido: El sonido es una vibración que se propaga a través del aire.
  2. Oído externo: El sonido entra en el oído externo y viaja a través del conducto auditivo.
  3. Tímpano: El sonido golpea el tímpano, una membrana delgada que separa el oído externo con el oído medio.
  4. Oído medio:  El tímpano transmite las vibraciones a los huesos del oído medio (martillo, yunque y estribo).
  5. Cóclea: Los huesos del oído medio transmiten las vibraciones a la cóclea, un órgano  en forma de caracol en el oído interno.
  6. Nervio auditivo: La cóclea convierte las vibraciones en señales eléctricas que viajan a través del nervio auditivo.
  7. Cerebro: El nervio auditivo transmite las señales eléctricas al cerebro, donde se interpretan como sonido.

VIAJE DEL SONIDO (DEL OÍDO AL CEREBRO)

Diferencia entre escuchar y oír

La diferencia entre escuchar y oír radica en el nivel de atención y la intención con la que se percibe un sonido. Aunque a menudo se utilizan de manera intercambiable, "escuchar"  y "oír" tienen significados diferentes:
  • Oír: Oír se refiere a la capacidad física de percibir sonidos. Es un proceso automático que ocurre cuando las vibraciones sonoras llegan al oído.
  • Escuchar: Escuchar se refiere a la capacidad de prestar atención  y comprender el significado de los sonidos. Es un proceso activo que requiere la participación del cerebro y la atención.
Ejemplo: Imagínate que estas en un parque.
  • Oír: Mientras caminas, puedes oír los ruidos de la gente conversando, las aves cantando y los autos pasando, pero no le prestas atención.
  • Escuchar: Sin embargo, decides detenerte para escuchar una conversación cercana o el canto de un pájaro, en ese momento activas tu atención para comprender lo que se dice o el sonido específico del pájaro.
En resumen, oír es la capacidad física de percibir sonidos, mientras que escuchar es la capacidad de comprender e interpretar el significado de esos sonidos.

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El silencio en la música

El silencio en la música


IMPORTANCIA DEL SILENCIO EN LA MÚSICA

El silencio en la música es un concepto fundamental, ya que no solo crea pausas y respiros entre los sonidos, sino que también contribuye a la estructura rítmica y emocional de una composición. El silencio permite a los oyentes procesar lo que han escuchado y anticipar lo que viene a continuación, aportando balance y contraste. Sin el silencio, la música podría sentirse densa y caótica, ya que no habría espacios para que los sonidos respiren.

En cuanto al silencio absoluto, este no existe de manera práctica en el mundo físico. Aún en lo que consideramos silencio, siempre hay algún tipo de ruido de fondo, como el sonido del ambiente o el funcionamiento del cuerpo humano. El silencio absoluto implicaría la total ausencia de cualquier vibración o sonido, algo que es prácticamente imposible de lograr.
 
Una obra que explora este concepto es "4'33" de John Cage, una de las piezas más radicales y famosas en la historia de la música experimental. En esta obra, el interprete se sienta al piano o con otro instrumento sin tocar una sola nota durante 4 minutos y 33 segundos. El "contenido" de la pieza es el sonido del entorno durante esos minutos de aparente "silencio". Cage quería demostrar que el silencio completo es una ilusión, que incluso en ausencia de música intencional, siempre hay sonidos que se perciben. La obra desafía la definición tradicional de la música y enfatiza que cualquier sonido puede tener valor musical si lo escuchamos con atención. 


¿Cómo descubrió John Cage que no existe el silencio absoluto?

John Cage descubrió que el silencio absoluto no existe cuando visitó una cámara anecoica en la Universidad de Harvard en 1951. Este tipo de sala está diseñada para absorber todas las ondas sonoras y eliminar reflejos acústicos, logrando un ambiente extremadamente silencioso. Cage, esperando experimentar el silencio absoluto, se dio cuenta de que incluso allí podía escuchar dos sonidos: uno agudo, que resultaba ser su sistema nervioso, y uno grave, que provenía de la circulación de su sangre. Este momento fue crucial en su comprensión de que el silencio absoluto no es posible en un mundo físico; siempre hay algún sonido presente, incluso dentro del cuerpo humano.


Para Cage, este descubrimiento revolucionó su manera de entender la música y el sonido. Él concluyo que el silencio no es la ausencia de sonido, sino más bien la presencia de sonidos no intencionados o imperceptibles en otros contextos. Este pensamiento fue lo que llevo a la creación de su obra mas icónica, "4'33", que es una declaración sobre la imposibilidad del silencio y la musicalidad de cualquier ambiente.

4'33'' la canción del SILENCIO escrita por John Cage | Crilator

OBRA "4'33" DE JOHN CAGE

Paola Hermosín | El silencio en la música (VIDEO)

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Sonido en la música

Sonido en la música

SONIDO EN LA MÚSICA Y LA FÍSICA

SONIDO EN LA MÚSICA

En el contexto de la música, el sonido en combinación con el silencio son la materia prima de la música y se refiere a las vibraciones audibles que producen tonos y que pueden ser percibidas por el oído humano. El sonido ha estado siempre en la vida habitual del hombre y a lo largo de la historia el ser humano a inventado una serie de reglas para ordenarlo hasta construir algún tipo de lenguaje musical. La música es una forma artística que utiliza el sonido y el silencio como medio principal de expresión.

Características

El sonido tiene 5 características fundamentales como:

1.- FRECUENCIA: La frecuencia es la cantidad de vibraciones o ciclos que realiza una onda sonora por segundo. Se mide en hercios (Hz) y se define como el número de oscilaciones completas que realiza una onda sonora en un segundo. La unidad de medida de la frecuencia en la música es el hercio (Hz).

Ejemplo: La frecuencia de una guitarra

Imagina que estas tocando una guitarra. Cuando pulsas la cuerda de MI (E), produces una vibración que se propaga a través del aire. La frecuencia de la nota MI (E) es de aproximadamente 329,63 Hz.

Esto significa que la cuerda de la guitarra vibra 329,63 veces por segundo cuando produces la nota MI (E). Estas vibraciones se propagan a través del aire y llegan a nuestro oído, permitiéndonos escuchar la nota MI (E).

Visualización de la frecuencia

Para ayudarte a visualizar la frecuencia, imagina una onda sonora como una serie de crestas y valles que se repiten en una línea. La frecuencia sería el número de crestas y valles que se repiten en un segundo.

Rango de frecuencia audible

El rango de frecuencia audible para el oído humano es de aproximadamente 20 Hz a 20.000 Hz. Esto significa que podemos escuchar sonidos con frecuencias entre 20 Hz y 20.000 Hz.


2.- INTENSIDAD: La intensidad es la cantidad de energía que transporta una onda sonora por unidad de área y unidad de tiempo. Se mide en decibelios (dB) y se define como la relación entre la presión sonora y la presión sonora de referencia. En términos musicales, la intensidad se asocia comúnmente con la dinámica que varía desde pianissimo (muy suave) hasta fortissimo (muy fuerte). La amplitud de las ondas sonoras esta relacionada con la intensidad del sonido, que a su vez influye en el volumen percibido.

Ejemplo: La intensidad de un concierto

Imagina que estás en un concierto de rock. La banda está tocando una canción muy fuerte y la música es casi ensordecedora. La intensidad del sonido en este caso es muy alta probablemente alrededor de 110 dB.

Ahora imagina que estás en una biblioteca y alguien está hablando en voz baja. La intensidad del sonido en este caso es muy baja, probablemente alrededor de 20 dB.

Visualización de la intensidad

Para ayudarte a visualizar la intensidad, imagina una onda sonora como una serie de crestas y valles que se repiten en una línea. La intensidad sería la altura de las crestas y la profundidad de los valles.

Rango de intensidad audible

El rango de intensidad audible para el oído humano es de aproximadamente 0 dB (umbral de audibilidad) a 120 dB (umbral de dolor) Esto significa que podemos escuchar sonidos con intensidades entre 0 dB y 120 dB.

Niveles de intensidad comunes

Aquí te presento algunos niveles de intensidad comunes:

Susurro: 20 dB
Conversación normal: 60 dB
Música en un concierto: 110 dB
Disparo de un arma: 140 dB


3.- TIMBRE: El timbre es la calidad única del sonido que permite distinguir entre diferentes instrumentos o voces, incluso cuando producen la misma nota a la misma intensidad. El timbre se debe a la forma en que las diferentes frecuencias que componen un sonido se distribuyen y se enfatizan.

Ejemplo: El timbre de una guitarra y un piano

Imagina que estás escuchando una nota MI (E) tocada en una guitarra y luego la misma nota tocada en un piano. Aunque la nota es la misma y la intensidad es similar, puedes distinguir claramente entre los dos instrumentos debido a su timbre diferente.

La guitarra tiene un timbre más "cálido" y "resonante", con un énfasis en las frecuencias bajas y medias. El piano, por otro lado, tiene un timbre más "brillante" y "crispado", con un énfasis en las frecuencias altas.

Factores que influyen en el timbre

El timbre se ve influido por varios factores, incluyendo:

La forma en que se produce el sonido (por ejemplo, la manera en que se toca una cuerda o se sopla un instrumento de viento)
Los materiales y la construcción del instrumento.
La técnica y el estilo del intérprete.


4.- DURACIÓN: La duración del sonido es el periodo de tiempo durante el cual se produce el sonido. Se mide en unidades de tiempo, como segundos o fracciones de segundo.

Ejemplo: La duración de una nota musical

Imagina que estás tocando una nota DO (C) en un piano. La duración de la nota depende de cuánto tiempo presiones la tecla. Si presionas la tecla durante un segundo, la duración de la nota es de un segundo.

Tipos de duración

Hay diferentes tipos de duración en la música:

Largo: Una nota o sonido que dura mucho tiempo. 
Corto: Una nota o sonido que dura poco tiempo.
Variable: Una nota o sonido que dura un tiempo variable.

Importancia de la duración

 La duración es fundamental en la música, ya que:

Ayuda a crear ritmo y patrones melódicos.
Permite expresar diferentes emociones y sentimientos.
Agrega complejidad y profundidad a la música. 


5.- TEXTURA: La textura del sonido se refiere a la complejidad y la relación entre las diferentes capas de sonido que se producen simultáneamente.

La textura puede ser:

Monofónica: Una sola línea melódica o sonido.
Polifónica: Varias líneas melódicas o sonidos que se entrelazan.
Homofónica: Un sonido o melodía principal acompañada de armonías o acordes.

Ejemplo: La textura de una sinfonía

Imagina que estás escuchando una sinfonía de Beethoven. La textura del sonido es polifónica, ya que hay varias líneas melódicas que se entrelazan, como la melodía principal de la orquesta, el acompañamiento de los violines, los acordes de los metales, etc.

Visualización de la textura

Para ayudarte a visualizar la textura, imagina una partitura musical con varias líneas que se cruzan y se entrelazan. Cada línea representa una capa de sonido diferente, y la forma en que se relacionan entre sí, crea la textura del sonido.

Importancia de la textura

La textura es fundamental en la música, ya que:

Agrega complejidad y profundidad al sonido.
Crea contrastes y variaciones en la música,.
Permite la expresión de diferentes emociones y sentimientos.

En resumen, el sonido en la música es una herramienta versátil que los compositores y músicos utilizan para expresar emociones, crear belleza estética y expresar mensajes a través de una variedad de elementos auditivos.

SONIDO EN FÍSICA

En física, el sonido se define como una vibración que se propaga a través de un medio elástico, como el aire, el agua o algún otro material. Estas vibraciones generan ondas sonoras que pueden ser percibidas por el ser humano.

El sonido se produce cuando una fuente vibrante, como una cuerda de guitarra, una membrana de altavoz o las cuerdas vocales, genera cambios de presión en el medio circundante. Estos cambios de presión crean ondas sonoras que se propagan a través del aire o de otro medio material. En resumen, el sonido es una forma de energía mecánica que se transmite a través de las partículas del medio de propagación.

La velocidad del sonido depende del medio a través del cual se propaga. En el aire, por ejemplo la velocidad del sonido es aproximadamente 343 metros por segundo a una temperatura de 20 grados Celsius, sin embargo, en diferentes medios, la velocidad del sonido puede variar.

La frecuencia del sonido se relaciona con la percepción del tono, frecuencias mas altas corresponden a tonos mas agudos, mientras que frecuencias más bajas corresponden a tonos mas graves. La amplitud de las ondas sonoras esta relacionada con la intensidad del sonido, es decir, su volumen percibido.

VIDEO EXPLICACIÓN DEL SONIDO


PRUEBA DE AUDICIÓN


LIBRO LA NATURALEZA DEL SONIDO

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Pitágoras de Samos (c. 569 a.C - c. 475 a.C)

Pitágoras de Samos (c. 569 a.C - c. 475 a.C)


PITÁGORAS DE SAMOS (c. 569 a.C - 475 a.C)

Nació en la isla de Samos en el siglo VI a.C, fue un filósofo y matemático griego considerado el primer matemático más completo de la historia. Aunque durante su infancia vivió en diversos lugares porque su padre era mercader. Tuvo una buena educación y aprendió a tocar la lira. Aprendió de varios maestros influyentes, como Pherecydes o Tales.

En el año 535 a.C viajó a Egipto, donde se acercó a creencias religiosas que le llevaron a fundar una sociedad secreta en Italia.

Son muchos los misterios que rodean su vida, e incluso había quienes le consideraban un loco que escuchaba voces. De lo que no hay duda es que fue el primero en establecer una relación entre las matemáticas y la música.

En el ámbito de la música, la aportación más importancia que hizo Pitágoras fue la formulación de las leyes de la armonía. Además, logró establecer intervalos proporcionales y la relación de disonancia o consonancia, creando así la escala musical.

LA ESCUELA PITAGÓRICA


Los alumnos de la Escuela Pitagórica, todos internos, se dividían en dos categorías: los oyentes y los matemáticos.

Durante cerca de cinco años desde su ingreso, eran simples observadores. Escuchaban las enseñanzas sin tener derecho siquiera de plantear preguntas ni ver al maestro.  

Al mismo tiempo, estaban siendo observados por Pitágoras y sus ayudantes. Cuando a criterio de éstos un "oyente" estaba preparado para adquirir la condición de matemático (estudiante regular), se le sometía a fuertes pruebas.

De admitirle como matemático, hacía juramento de mantener en absoluto secreto lo que viera o escuchara en la Escuela:               

(A nombre de (Pitágoras) quien descubrió la tetraktys, la cual es símbolo de sabiduría, fuente de naturaleza eterna, no hablaré nunca de lo que aquí aprenda).

Quien se atrevía romper el juramento era fuertemente castigado y hasta eliminado.

Según Ianblijo, Ipasos había sido uno de los Pitagóricos. Después de publicar lo relacionado con el "dodecaedro regular inscrito en una esfera" se "ahogó" durante un viaje por mar por haber irrespetado y no mantener el juramento dado al ingresar en la Escuela Pitagórica.

El mismo Iamblijo menciona a la biografía de Pitágoras que aquel que dio a la publicidad lo relacionado con la simetría y asimetría en matemática fue expulsado de la Escuela y en los predios de ésta se construyó su tumba para declarar así que para los pitagóricos se consideraba "muerto" por haber violado su propio juramento.

SIGNIFICADO DE LOS NÚMEROS

Para Filolao, uno de los más destacados discípulos de Pitágoras; "todas las cosas que pueden ser conocidas tienen un número, porque no es posible que sin el número pueda ser concebida o conocida ninguna cosa".

Para los Pitagóricos cada uno de los números tenía significado especial.

El 1, generador de todos los números, significa la razón por ser invariable.

La primera expresión del número generado por la unidad es el 2 símbolo de la osadía.

De todos los números, el de más extraordinaria belleza es el 3. En la más simple de las figuras geométricas, el triángulo, domina el número tres. Todo triángulo tiene tres lados, tres ángulos, tres alturas.

Tres son las clases de ángulos (agudo, recto, obtuso).

Tres son las clases de triángulos (isósceles, equilátero, escaleno).

El día tiene mañana, mediodía, tarde; el tiempo, pasado presente y futuro.

El 4, la justicia por ser el primer cuadrado perfecto.

Cuatro: número sagrado. Cuatro son las bases de la sabiduría, aritmética, música, geometría y astronomía.

La tetractys (1,2,3,4 y la suma de éstos) a la que ofrecían su juramento los Pitagóricos y sus plegarias.

El más simple de los cuerpos geométricos es el tetraedro (pirámide formada por cuatro triángulos).

Los cuatro números de la tetractys  recuerdan que cuatro son los puntos cardinales (Norte, Sur, Este y Oeste), cuatro las estaciones del año (Primavera, Verano, Otoño e Invierno) y también encierran toda la matemática por la relación que se da entre aritmética y geometría

uno - el punto
dos - la recta
tres - el plano
cuatro - el espacio

No es nuestro interés ampliar el significado (matemático o no) de otros números, pero sí reconocemos que las relaciones de números primos, amigos, pitagóricos, pares, impares, triangulares, cuadrados, etc., dan las bases de la teoría de números.

El culto a los números no solamente se da entre los pitagóricos sino también entre los babilonios.

En la mitología china los números impares simbolizan lo blanco, el día, el calor, el sol, el fuego; los números pares, lo negro, la noche, el agua, la tierra y se les atribuye propiedades mágicas.

En el siglo VI a. C., los pitagóricos completan y difunden la práctica caldea seleccionar las notas musicales a partir proporciones entre las longitudes de cuerdas tirantes, Crean así un vínculo entre Música y Matemáticas que no se ha roto hasta nuestros días. Muestra de esta relación es el uso, en ocasiones intuitivo, del número áureo en las sonatas de Mozart, en la Quinta Sinfonía de Beethoven, o, más recientemente, en algunas obras de Bartók, Messiaen y Stockhausen. Por su parte, matemáticos de todas las épocas han hecho de la música su objeto de estudio y, en la actualidad, tanto en revistas de Música como de Matemáticas o en Internet, pueden encontrarse multitud de documentos en los que la teoría de grupos, los fractales, la teoría del caos, o la lógica fuzzy, por ejemplo, se utilizan de forma práctica en la creación y el análisis de las obras musicales.

EL MONOCORDIO

Aunque el hombre siempre se planteó con qué criterio la música admite unos sonidos y rechaza otros, nos remontaremos como mínimo a la Mesopotamia del siglo VI a.C. Allí, muchos fenómenos cósmicos eran representados por la comparación entre las longitudes de cuerdas tirantes. De este modo aparecieron cuatro proporciones que regían tanto el Universo, como la música o el destino de los hombres: 1/1, 1/2, 2/3 y 3/4. Estas relaciones, llamadas actualmente unísono, octava, quinta y cuarta, respectivamente, proporcionaban los sonidos consonantes y daban lugar a la escala caldea que, probablemente, contenía 7 notas. Estas proporciones, vistas como la correlación entre ciertos intervalos musicales y los primeros números naturales, hacen de Pitágoras el descubridor del método para obtener la escala musical.


El instrumento utilizado por Pitágoras fue el monocordio. El artilugio consistía en una simple cuerda de longitud proporcional a 12 tendida sobre una tabla, con una clavija o puente móvil deslizable entre cuerda y tabla, para obtener cuerdas de diversa longitud, en particular las proporcionales a 9, 8 y 6, manteniendo en tensión los dos trozos que el puente móvil dividía a la cuerda, y permitiendo además que uno de ellos pudiera vibrar independientemente del otro. Al pulsar la cuerda completa se producía un sonido que Pitágoras tomó como primario, el tono. Moviendo el puente y pulsando las cuerdas resultantes proporcionales a 9, 8 y 6, se producían respectivamente la cuarta, la quinta y la octava. Los sonidos producidos mediante otras posiciones del puente móvil resultaban disonantes, o al menos no tan consonantes como los anteriores.

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Música Moderna y Contemporánea (1910 - Presente)

Música Moderna y Contemporánea (1910 - Presente)


MÚSICA MODERNA Y CONTEMPORÁNEA (1910 - Presente)


"La musica es sinonimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor."

El siglo XX estuvo marcado por dos grandes acontecimientos que fueron muy decisivos en la historia de la música occidental, y marcaron el avance posterior que seguirá la música hasta llegar a nuestros días.

El primero es el abandono de la tonalidad y la total ruptura de las formas y técnicas que se venían haciendo desde los principios de la era barroca a partir de 1910, en concordia con las otras rupturas totales de las otras ramas de las artes.A partir de ahí, la música occidental se vuelve muy experimental y los compositores se empeñan en hallar nuevos caminos tanto en las formas, los instrumentos, los colores, la tonalidad, el ritmo para hacer una música totalmente nueva y alejada del período de la práctica común de los últimos trescientos años.

El segundo gran fenómeno es el auge y masificación de un tipo de música que se desarrolló en las ciudades durante el siglo anterior en contacto con las dos grandes ramas en que se dividía hasta ese momento la música (la étnica y la académica): la música popular. Este tipo de música, consumida por la creciente clase media urbana, experimentará un gran desarrollo gracias a la posibilidad de grabar sonido mediante las nuevas tecnologías de principios del siglo XX (lo que dará lugar a la industria del disco) y la aparición de medios de comunicación de masas como la radio y el cine sonoro. El efecto de la música popular y la industria musical que se desarrolla en torno a ella cambiarán drásticamente los hábitos musicales que estaban presentes desde la Edad Media.

JAZZ

El jazz es un género musical, nacido a mediados del siglo XIX en Estados Unidos, que se expandió de forma global a lo largo de todo el siglo XX. Su comienzo es un tanto peculiar: las personas esclavas de origen africano, residentes en zonas sureñas de Estados Unidos, tenían por costumbre manifestar sus tradiciones tocando diferentes tipos de tambores y cantando. A causa de restringir por ley esta habitual rutina, recurrieron a la percusión mediante las palmas de las manos y el batir de los pies para disfrutar de sus fiestas y su música. Sin embargo, la prohibición no tuvo vigor en la llamada Place Congo de Nueva Orleans, en la que los esclavos tenían libertad para reunirse, cantar y acompañarse de verdaderos instrumentos de percusión artesanos. Aun así, el jazz no sólo tuvo influencia en la música tradicional de estas gentes.


En 1910 los géneros precursores del jazz fueron los siguientes: el dixieland, nacido hacia 1910, interpretado por agrupaciones compuestas por tres instrumentos básicos: la tuba, la corneta y el saxofón más la batería, el bajo, el clarinete y el trombón que se encargaban de la base rítmica; y más tarde el ragtime, cuyo máximo exponente fue Scott Joplin. Este último género se basaba en una mezcla particular de acentos y síncopas, siendo habitualmente  interpretado por un pianista.

BLUES

El blues es una expresión musical que llegó a los Estados Unidos de América a través de los esclavos que provenían principalmente de la costa occidental de África. Este tráfico de esclavos se produjo ininterrumpidamente desde comienzos del siglo XVII hasta 1812, año en el que quedó prohibido su comercio. Sin embargo, la esclavitud no se aboliría hasta 1863. Los esclavos viajaban en los barcos encadenados, por lo que se conjetura que la única forma musical que podían interpretar era la vocal, aunque pudiera ser que algún instrumento llegará con ellos en su viaje. A finales del siglo XVIII y comienzos del XIX había en las plantaciones esclavos que tocaban el violín, el banjo o flautas bastante primitivas. En concreto, el banjo casi se puede asegurar que es la versión de un instrumento similar de Senegal, de cinco cuerdas, llamado halam.

El blues, nace en sus orillas, en los campos agrícolas como “canciones de trabajo” o “work songs”, fruto de la esclavitud. No nace en las iglesias como los spirituals y el gospel. No es un canto tipo coro, es una respuesta individual a la sociedad racista de Norteamérica; es una reacción personalizada contada y cantada en inglés. En el blues canta un individuo que es sujeto de su canto. Es un monólogo de la subjetividad, que al mismo tiempo es el portavoz de la condición en que sus compañeros estaban sometidos en los campos agrícolas o en la penitenciaría. El cantante de blues no solamente canta sino que gruñe, llora, se lamenta, arma su propio escenario dramático, porque el blues es sinónimo de problema, de preocupación. Cuando se está preso, o sin dinero, o sin trabajo, cuando no puedes dormir por tanta preocupación, es que tienes blues. Es decir, es la expresión de un estado existencial aquí y ahora.

MUSICA EN EL CINE

La música siempre se dice que es la Banda Sonora de la vida de un persona, se sigue dando cuenta la importancia de la música en el cine, cuantas canciones se han hecho famosas por el cine, y a la inversa, quien no se enamoró de una BSO de alguna pelicula como «Ghost» «La Bamba» «Titanic» «Love Story» o quien no recuerda «Tiburón» por poner algún ejemplo, quiero analizar las funciones que tiene la música en el cine siendo entre otras muchas las más destacadas:

Ambientar una historia en un tiempo y lugar determinado. Las escenas relacionadas con la Antigüedad, por ejemplo, no cuentan con la misma música que las escenas que suceden en un tiempo moderno.

Contribuir al desarrollo del elemento psicológico en los personajes. Además de indicarnos lo que sienten, la música puede ayudarnos a conocer la personalidad de los personajes.

Servir como fondo para los diálogos y darles un punto de sentimentalismo, dramatización, etc. O bien sustituir aquellos que sean innecesarios. Por ejemplo, en las típicas escenas de amor, cuando los dos protagonistas se conocen y comienzan a mantener una conversación, muchas veces no oímos ésta, sino que escuchamos una música adecuada para la escena.

Unir escenas que sin la música serían difíciles de conectar. Hacer más claras y accesibles algunas escenas. La música ayuda a que el espectador reciba claramente la lectura que el director quiere que haga de una escena o acción.

Hacer más claras y accesibles algunas escenas. La música ayuda a que el espectador reciba claramente la lectura que el director quiere que haga de una escena o acción.

Implicar emocionalmente al espectador. La música puede influir sobre los sentimientos y las emociones que el espectador experimenta a lo largo de la película, modificando el sentido de la imagen o anticipando una situación determinada, como en la famosa escena de la ducha en la película “Psicosis”.


MUSICALES

El musical es un género teatral o cinematográfico en el que la acción se desenvuelve con secciones cantadas y bailadas. Es una forma de teatro que combina música, canción, diálogo y baile, y que se representa en grandes escenarios, como los teatros de West End (Londres) o en Broadway (Nueva York).

ORIGEN

Su origen se encuentra en varias fuentes teatrales europeas del siglo XIX, conocidas como opereta, ópera cómica, comedia musical o vaudeville francés. Eran espectáculos de variedades sin unidad dramática que incluía canciones populares, bailarines, acróbatas y números cómicos. Este tipo de espectáculos siguió con vigencia durante el siglo XX, especialmente en Estados Unidos.

ROCK AND ROLL

Rock and Roll. Género musical de ritmo marcado, derivado de una mezcla de diversos géneros de música folclórica estadounidense, (Doo Wop, rhythm and blues, hillbilly, blues, country y western son los más destacados) y popularizado desde la década de 1950, siendo su cantante más influyente Elvis Presley, su guitarrista más influyente Chuck Berry y sus bandas más influyentes, Eddie Cochran, y Bill Haley and The Comets entre otros.

MUISCA POP

Pop es un término inglés que deriva de popular. Se trata de un adjetivo que se aplica al arte, sobre todo al musical, orientado al consumo masivo gracias a sus características. Por lo general, las creaciones pop son simples y superficiales, lo que permite una asimilación inmediata por parte de las personas.
La música pop, en este sentido, está formada por composiciones simples y de fácil comercialización. Suelen ser temas breves, con un estribillo que se repite y que es sencillo de recordar, sin grandes fragmentos instrumentales.

En sus orígenes, el pop era entendido como aquello que se oponía la música culta o de elite, como la ópera. A partir del correr de los años, el pop se constituyó como un género independiente, aunque de características muy diversas.

Puede entenderse al pop como una versión suavizada del rock, que suele incluir elementos electrónicos y de la música disco. Sus letras generalmente son superficiales, sin el contenido de protesta que el rock exhibe en muchas oportunidades. Es importante tener en cuenta, de todas formas, que hay bandas pop cuyas canciones sí presentan contenidos sociales.

Michael Jackson y Madonna están entre los cantantes pop más exitosos de la historia. Estos artistas no sólo destacan por su música, sino también por sus pasos de baile, sus videoclips y su estética.

En concreto, tenemos que decir que están considerados como los reyes del pop, igual que Elvis Presley está catalogado como el del rock.

Así, sus canciones se han convertido en auténticos hitos dentro del ámbito de la historia, en composiciones que todo el mundo conoce y que pasan de generación a generación.

La música pop, en este sentido, está formada por composiciones simples y de fácil comercialización. Suelen ser temas breves, con un estribillo que se repite y que es sencillo de recordar, sin grandes fragmentos instrumentales.

Historia del MP3

En 1987 el Instituto Alemán Fraunhofer Institut Integrierte Schaltungen (Fraunhofer IIS) desarrolló un formato para transmitir audio digital comprimido. El nombre del proyecto fue EUREKA EU147 los cientificos encargados, idearon un algoritmo (codec) capaz de comprimir el sonido sin pérdidas de calidad apreciables.


En 1992, el Motion Picture Experts Group (MPEG) aprobó la tecnología y nació el MP3 (MPEG1 Audio Layer 3 – 3er nivel de compresión del MPEG1). La verdadera revolución llegó con el crecimiento espectacular de Internet: cualquiera podía descargar una canción o archivo de audio a su PC ignorando lo que se conoce como copyright ( derechos de autor ).

¿Cómo funciona?

El algoritmo de compresión del MP3 se basa en las limitaciones del oído humano, que sólo es capaz de captar frecuencias entre 20Hz y 20Khz (es más sensible entre 2 y 4Khz), y elimina las frecuencias inaudibles conservando la esencia del sonido. Al obtener un MP3 es posible seleccionar el nivel de codificación y compresión que se desea. Obviamente, a mayor compresión, menor calidad. A 128Kbits/44khz estéreo se consigue un buen equilibrio entre compresión y calidad y es el nivel que encontraremos por defecto en los compresores y en las canciones disponibles en la red.

Así el MP3 generó grandes ventajas frente a los formatos de grabación digital de audio con calidad CD, que requieren mucho espacio de almacenamiento.

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En MP3 en cifras

El formato de audio usado en los discos compactos (CD) usa 44.1 Khz y 16 bit, es decir, que graba 44.100 muestras de 16 bit (2 bytes) cada segundo. Esta inmensa cantidad de datos es la que permite obtener un sonido de muy alta fidelidad.

Si multiplicamos 2 bytes * 44.100 obtenemos que se necesitan 88.200 bytes por segundo en cada canal del estéreo. Así pues, necesitamos 176.400 bytes por segundo en una grabación estereofónica.

Multiplicando por 60, veremos que un solo minuto de grabación en calidad CD ocupa 10.584.000 bytes, es decir, 10.09 Mb por minuto.

Una pieza de 4 minutos ocuparía, por lo tanto, unos 40 Mb. Y comprimido al formato MP3 a razón de 10 a 1 serían 4Mb por canción.

HOME STUDIO

Home studio o estudio doméstico hace referencia a la práctica de grabar música o sonido en tu hogar, en vez de grabar en un estudio de grabación profesional. Un estudio creado para grabar en casa es denominado home studio.​ Hoy en día todo el mundo puede tener su propio home studio, y aunque no se consigan resultados iguales a los de un estudio de grabación profesional, se puede llevar a cabo un proyecto con un buen resultado final teniendo una interfaz de audio (preamplificador incluido) a la altura, un buen monitor de estudio con respuesta plana para mezclar y otros dos monitores para la escucha, un micrófono de calidad y un dispositivo de grabación, analógico o digital (DAW).

BOY BAND Y GIRL BAND

Boy band o boyband (en español: 'banda de chicos'), es una expresión inglesa vagamente definida para referirse a un grupo vocal de cantantes masculinos jóvenes, normalmente en su adolescencia o en sus veinte al momento de la formación.1​ Al ser grupos vocales, la mayoría de las boybands no suelen tocar instrumentos musicales, ya sea en estudio o en vivo, haciendo así a la expresión una denominación errónea. Muchas bandas de chicos también bailan, dando normalmente interpretaciones altamente coreografiadas.

Algunas boybands se forman por sí mismas o pueden ramificarse de coros de iglesia o de agrupaciones de música góspel, pero son a menudo creadas por agentes de talentos o productores discográficos que realizan audiciones. Debido a esto y generalmente a su orientación comercial hacia un público femenino de preadolescentes, o adolescentes, el término es a veces ocupado con connotaciones negativas en el periodismo musical. Una boyband es similar en concepto a su contraparte femenina, girl group. La popularidad de las "bandas de chicos" llegó a su punto máximo en cuatro ocasiones: en la década de los 60 (con The Jackson 5), en los 90 y principio de los 2000 cuando grupos como Backstreet Boys, NSYNC, A1 y Westlife, entre otros, dominaron el top de las listas de éxitos musicales, a principios de la década de 2010 con la aparición de nuevas boybands como JLS, Big Time Rush y One Direction, y a finales de la misma década con grupos de pop como BTS y Brockhampton.

DUBSTED

El dubstep es un género que surge a finales de los 90s y comienzos de los 2000s en Londres, Inglaterra. Sin embargo, fue hasta el 2002 cuando el término “dubstep” se empezó a utilizar como denominación de éste subgénero…

Este es uno de los muchos estilos electrónicos y garage en salir de los clubs del sur de Londres apoyado por pequeñas discográficas independientes…..

Las raíces del dubstep las podemos encontrar en algunas producciones experimentales de varios productores del UK Garage, que buscaban incorporar elementos del drum and bass al sonido 2-step habitual…

Estos “experimentos” solían publicarse en la cara B de los white labels de garage comercial de aquellos tiempos…

Cuenta la historia que el término Dubstep se acuñó cuando Ammunitions Promotions, quienes dirigían el club Forward quisieron dar un nombre a esta nueva música…..Este lugar es considerado el precursor de la nueva electrónica, ya que en su programa de radio Rinse FM daban espacio para distintos sellos y artistas que estaban creando nueva música tomando influencias de lo que ya conocían, y experimentando un poco.

De hecho, ellos potenciaron el movimiento con su disco “Dubstep Allstars Vol 1” consolidando el nombre que lleva hasta el día de hoy…

¿Cómo reconocer el dubstep?

Bueno, pues musicalmente, este estilo se caracteriza por estar basado en ritmos que incorporan notas tocadas con shuffle. El tempo suele mantenerse siempre en un rango de entre 130 y 148 bpm y algo importante es que el ritmo del dubstep no suele seguir normalmente los patrones four-to-the-floor….

De hecho, el dubstep usa ritmos heredados de otros estilos electrónicos como el 2-step y el drum and bass basados en compases diferentes….

Una de las características más reconocidas del dubstep es un tipo de línea de bajo llamada “wobble bass” en la cual una nota de bajo extendida es manipulada musicalmente creando ese sonido oscilante.

También es habitual en el dubstep el uso de un potente snare. Pero además de todo esto, si hay algo que caracteriza al Dubstep, además de toda la locura de sus sub-bajos y sintetizadores, es lo que se llama “Syncopation” o “Ritmos Sincopados”: ¿Qué es esto? Pues básicamente es una estrategia compositiva destinada a romper la regularidad del ritmo, por medio de la acentuación de una nota en un lugar débil o semifuerte de un compás.

Es decir, un total vuelco a la música convencional por medio del quiebre del ritmo. Este recurso del Dubstep, cuando está bien utilizado es justamente el que encanta a todos los que somos fans de éste subgénero.…

La historia de como fue evolucionando es la típica que todos conocemos: Se hizo muy popular en Inglaterra, luego por internet se propagó como un virus, y finalmente se ha transformado en un producto más de la industria musical y cada vez hay más y mejores exponentes…

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Música del Impresionismo (1860 - 1910)

Música del Impresionismo (1860 - 1910)


MÚSICA DEL IMPRESIONISMO (1860-1910)

¿Qué es el impresionismo?

A finales del siglo XIX surgió un grupo de pintores que, al contrario de lo que hicieron sus antecesores, se afanaron en captar la luz más allá de las formas y por dar la máxima importancia al color y a la inspiración directa de la realidad. El nombre de impresionistas les fue impuesto de modo peyorativo por el crítico Louis Leroy al ver el cuadro de Claude Monet titulado Impression soleil levant, mostrado en la primera exposición del grupo en 1874. Lo habitual hubiera sido exponer en el Salón Oficial pero los nuevos artistas, conocidos como Los Rechazados, tuvieron que hacerlo en el Salón del fotógrafo conocido como Nadar, uno de los pocos lugares alternativos donde les permitieron exhibir sus obras.

A partir de 1887 comenzaron a dejarse ver un grupo de artistas que también serían llamados impresionistas.

MÚSICA TONAL Y ATONAL

MÚSICA TONAL: Sistema musical basado en las escalas diatónicas mayores y menores, que consiste básicamente en la ordenación de los elementos melódicos y armónicos alrededor de un eje llamado tónica, y con unas características melódicas-armónicas bien definidas. Los pilares básicos de la tonalidad son las escalas diatónicas, desde el punto de vista melódico, y las funciones de tónica, dominante y subdominante desde el punto de vista armónico.

Este Sistema se desarrolla en la música culta occidental a partir del siglo XVII y, a pesar de que durante el s. XX ha perdido su hegemonía y de que llegó a ser cuestionada su viabilidad, sigue estando en pleno vigor en diversos estilos, sobre todo en las músicas comerciales.

MÚSICA ATONAL: Atonalidad (del griego a: ‘sin’ y el español tonalidad) es el sistema musical que prescinde de toda relación de los tonos de una obra con un tono fundamental y de todos los lazos armónicos y funcionales en su melodía y acordes, no estando sujeto a las normas de la tonalidad.

DIFERENCIA ENTRE SISTEMA TONAL Y ATONAL

Generalmente el sistema opuesto al atonalismo no se llama tonalismo sino «sistema tonal».

Más específicamente, el término describe la música que no se ajusta al sistema de jerarquías tonales que caracterizaba el sonido de la música académica europea entre el siglo XVII y el XIX. Generalmente son atonales las composiciones de música artística compuestas desde 1900 hasta nuestros días, donde la jerarquía de los centros tonales no se usan como manera principal de organizar un trabajo.

ISMOS Y LOS NEOS EN LAS MÚSICA CONTEMPORÁNEA

El mundo de la música se verá influido por ese cambio social y cultural. La música tradicional, que habían sido muy explotados por los autores románticos, busca abrirse nuevos caminos y romper con el pasado.
Aparecen gran cantidad de estilos y se busca la novedad y la experimentación, a través de un cambio estético que dará lugar a las composiciones más variopintas.

CARACTERÍSTICAS MUSICALES

Los ISMOS fueron unos movimientos innovadores contemporáneos y consecutivos en toda la cultura, tanto en el arte, pintura, literatura y música.

Los NEO en la época contemporánea en cambio supuso la recuperación en cierta forma de los movimientos anteriores que han existido.

• Pluralidad de movimientos. Cada compositor busca su propio lenguaje musical para expresarse.
• La ruptura con el pasado .
• Búsqueda de la novedad, ninguna obra puede parecerse a otra y para ello hay que experimentar con todo lo que se tenga a mano. Cualquier objeto puede ser capaz de producir música.
• El compositor no busca la belleza de melodías, sino llamar la atención del oyente, nos encontraremos ante piezas extrañas que no tienen nada que ver con la música que se había realizado hasta entonces.

IMPRESIONISMO EN LA MÚSICA

La música impresionista es la tendencia musical que surgió en Francia a finales del siglo XIX. El nombre Impresionismo ya se usaba antes para denominar a la pintura de los años 1860 - 1870, ya que las características de ambas artes eran muy similares. Los dos únicos autores a los que podemos llamar impresionistas en aquella época son Claude Debussy y Déodat de Séverac, aunque este último no está tan reconocido como gran parte de autores posteriores. Sin embargo, Claude Debussy es el autor impresionista más notorio, junto con los también franceses Maurice Ravel y Erik Satie.

Proviene de Francia, a finales del siglo XIX, cuando se usa el término impresionista para describir la música de unos compositores tales como Debussy, y Satie, pues era considerada floja y de poca forma.

Sin embargo, lo que estos compositores buscaban era representar a la naturaleza misma y a los sentimientos puros a través de sonidos. Evocar estas sensaciones, en lugar de describirlas con exactitud.

Es por esto que en la música impresionista el tempo es más fluido y cambiante, la armonía toma más libertad. Los compositores escogen los acordes por su sonoridad y no por la armonía que hay detrás... en este sentido se dejan de lado algunas nociones teóricas y se busca es el sonido y su relación con el sentimiento.

Entrando más en detalle: aparecen los acordes con tensiones, armonías de cuartas y de quintas. Se crean efectos estáticos, atmósferas y progresiones que no necesariamente indiquen movimiento. Ambigüedades, disonancias, cadencias inconclusas y rotas. Experimentan con nuevos timbres, incluyendo a instrumentos más melosos dentro de la orquesta, como el arpa o el glockenspiel.

CARACTERÍSTICAS:
  • El músico de esta nueva etapa llega al convencimiento de que el período anterior, el Romanticismo, está agotado.
  • En el Romanticismo, la virtuosidad instrumental era el camino para comunicarse con las masas.
  • En el Impresionismo, los músicos rebuscan esas sonoridades para investigar de un modo racional (no pasional) nuevas vías sonoras.
  • El misticismo. El impresionismo se opone al materialismo, al realismo y al historicismo. Se apartan de la exageración buscando la elegancia.La sensualidad. La música impresionista será suave, concebida para causar efecto al oído.
Principales compositores del Impresionismo:

Como precursores del movimiento se menciona a Gabriel Fauré y Camille Saint-Saëns. En cuanto el nacimiento en sí de todo el movimiento musical impresionista, muchos se lo atribuyen a un solo músico: Claude Debussy.

Claude Debussy (1862 - 1918)
Maurice Ravel (1875 - 1937)
Erik Satie (1866 - 1925)
Manuel de Falla (1876 - 1946)
Isaac Albéniz (1860 - 1909)
Joaquín Turina (1882 - 1949)

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